jueves, 13 de febrero de 2014

Bailando break dance

ARGENPRESS CULTURAL





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La galga de Bukowski

Daniel de Cullá (Desde Burgos, España. Especial para ARGENPRESS CULTURAL)

Se dice que las esposas de Charles Bukowski, Bárbara, Linda Lee, y su amante Frances lo único que le recriminaban mucho era que, insolente, ventoseaba como un Burro, como queriendo castigarlas por culpas muy graves o lo mismo.



El cuento es que he asistido con unos amigos de San Francisco, California, a una función de Poesía, Música y Narración, con título “Rasgada Noche Loca a Pasos”, en el teatro de Poetas “Luces de Ciudad” donde un actor “el Hijo de Satanás”, va a pedir prestada una galga para cazar una liebre muy grande que ha visto, como un elefante.

-Achica, compadre, le dice una actriz mozota. Y escucha, prosigue, que voy a recitar: Muerte de un Idiota”.

Saltando en aposentos, y diciéndose para sí, en voz alta: “No hay peor cuña que la del mismo palo; donde no valen cuñas aprovechan uñas”, el actor se encuentra con el dueño de la galga, y le dice:

La galga buena, yo a ti también.

Una música de MP3 comenzó a sonar. Pertenece al LP “Caca, Pis y el más grande perdedor del Mundo mundial”. Es de Bukowski, de temperamento arenisco, hábil entretenedor, iluminado e inspirado alcohólico compulsivo y tahúr, “el más grande poeta de América”, según Jean Paul Sartre.

La galga se soltó y fue tras la liebre, y el actor tras la galga corrió, patinando al pisar una caca de perrazo que no vio, y por no matarse al caer, se agarró a los pantalones de la actriz bajándole hasta las bragas; diciéndole ésta:

-Eres como una mierda pinchada en un palo. Que te vaya bonito.

Replicó el actor:

-Y a ti también.

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En algún lugar… El sueño olímpico

Laura M. López Murillo (Desde México. Especial para ARGENPRESS CULTURAL)

En algún lugar festivo, los ideales humanistas se glorifican en una corona olímpica; todas las miradas coinciden en el mismo sueño y todas las voces se solidarizan para extirpar los anacronismos que envilecen la imperfecta condición de los hombres…

El olimpismo resurge enla era moderna para dignificar al ser humano, pero como todas las utopías, se ha enfrentado a una diversidad de radicalismos, dogmas, anacronismos. En los juegos olímpicos de invierno en Sochi, Rusia, se suscita una contradicción galopante entre los ideales humanistas y la intolerancia que ha caracterizado al régimen de Vladimir Putin.



El estruendo de la singular plegaria “Madre de Dios, echa a Putin” que se escuchó en todos los rincones de la catedral del Cristo Salvador de Moscú fue suficiente para que las integrantes del grupo Pussy Riot: Nadezhda Tolokónnikova y María Aliójina, fueran sentenciadas a prisión; después de dos años fueron liberadas por un decreto de amnistía general. Y el año pasado entró en vigor la ley que prohíbe la propaganda homosexual entre los menores; las voces de protesta y las reacciones en la aldea global se agudizaron en la víspera de la inauguración de los juegos olímpicos de invierno.

Un día antes, Günter Grass, Salman Rushdie, Jonathan Franzen y 200 escritores más, firmaron una carta abierta contra las “leyes rusas que estrangulan la libertad de expresión” que fue publicada en el periódico “The Guardian”. El mismo día de la inauguración, fueron detenidos 19 activistas en Moscú y San Petersburgo y el buscador Google incluyó el fragmento de la Carta Olímpica que postula que el deporte no admite la discriminación y que el espíritu olímpico exige comprensión mutua, solidaridad y amistad.

Los destellos de esta polémica se filtraron en el rígido protocolo de la ceremonia inaugural: Thomas Bach, presidente del Comité Olímpico Internacional, enfatizó en su discurso que es posible vivir sin discriminación; Barak Obama, no asistió al eventoy envió a dos deportistas que han declarado públicamente su homosexualidad como representantes de la delegación estadounidense; tampoco asistieron: Francois Hollande, David Cameron y Joachim Gauck. Y al final del desfile de las naciones se escuchó al dueto ruso “Tatu”, que apoya a la comunidad lésbico-gay.

La irreverencia y el sarcasmo son también expresiones del rechazo a la intolerancia y a la criminalización de las diferencias, como la cerveza inglesa denominada “Mi nombre es Vladimir” que ostenta el mensaje “No es para gays” y el comercial del Instituto Canadiense para la Diversidad y la Inclusión con dos competidores de ludge que inician el descenso.

La intensidad y la proliferación de las protestas es un indicador del hartazgo global por los prejuicios despotismos de la intolerancia. Quiero creer que ha llegado el momento histórico para despojarnos de criterios obtusos y avanzar a un estadio cultural superior de nuestra especie. Y justamente ahora, la comunidad global se inspira en el sueño olímpico para defender la universalidad de la libertad y la igualdad, y todas las voces se solidarizan para extirpar los anacronismos que envilecen la imperfecta condición de los hombres…

Fuentes:
- Animal Político. (2014). “Los Juegos Olímpicos de Invierno siempre han sido un poco gays”. Recuperado el 8 de Febrero del 2014, de http://www.animalpolitico.com/2014/02/los-juegos-olimpicos-de-invierno-siempre-han-sido-un-poco-gays/#axzz2soAlQLUN
- Colás, J. (2014). Clamor global contra la homofobia en Rusia a dos días de Sochi 2014. El Mundo. Recuperado el 7 de Febrero del 2014, de http://www.elmundo.es/internacional/2014/02/05/52f250e5268e3e0f748b457c.html
- CNN México. (2014). Sochi 2014 abre con música, color y un llamado a la "no discriminación". Recuperado el 9 de Febrero del 2014, de http://mexico.cnn.com/deportes/2014/02/07/inauguracion-juegos-olimpicos-invierno-sochi-2014-rusia-atletas
- EFE. (20149. Más de 200 escritores denuncian las leyes anti-gay en Rusia. Vanguardia. Recuperado el 7 de Febrero del 2014, de http://www.vanguardia.com.mx/masde200escritoresdenuncianlasleyesantigayenrusia-1940140.html
- Milenio. (2014). Las PussyRiot llevan su guerra contra Putin a Nueva York. Vanguardia. Recuperado el 7 de Febrero del 2014, de http://www.vanguardia.com.mx/laspussyriotllevansuguerracontraputinanuevayork-1939143.html
- Paulier, J. (2014). Lo polémico y lo curioso de los Juegos de Invierno de Sochi.BBC Mundo. Recuperado el 7 de Febrero del 2014, de http://www.bbc.co.uk/mundo/noticias/2014/02/140206_juegos_olimpicos_invierno_sochi_rusia_previa_jp.shtml
- Ricciardelli, A. y Milán, A. (2014). Así Ocurrió. La inauguración de los Juegos Olímpicos de Invierno Sochi 2014. BBC Mundo. Recuperado el 9 de Febrero del 2014, de http://www.bbc.co.uk/mundo/noticias/140207_livetext_juegos_olimpicos_sochi_amv.shtml

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Música: Fado, melancolía de la canción popular lisboeta

Erasmo Magoulas (Desde Canadá. Especial para ARGENPRESS CULTURAL)

Hace unos años, leyendo Me llamo Rojo, del Nobel Orhan Pamuk, me quedé maravillado de cómo se puede, con palabras, traer a la superficie ese estado del espíritu que llamamos melancolía. Tal vez ese sea el gran tema literario del escritor turco. Tema que maneja con destreza, mediante movimientos lentos y precisos, para mantenerse en esa delgada frontera que divide la felicidad de la nostalgia, que no es ninguna de las dos, pero las contiene a ambas. Cuando puse pie en tierra en Estambul, y en otras ciudades cercanas al Mar Negro, y al sur del Mar de Mármara, comencé a tener una idea más acabada sobre lo que escribe Pamuk: el estado melancólico del espíritu, del paisaje, del entorno humano, de los gestos, y hasta de los objetos insignificantes y las actitudes nimias que nos rodean. Pareciera que la melancolía es un estado de gracia, de percepción iluminadora del espíritu, sobre todas las cosas y fundamentalmente sobre nosotros mismos.

Muchos años antes de mi viaje a Turquía, estaba yo en París, haciendo “couchsurfing” en un microscópico departamento de un cuñado mío, de por aquel entonces, en el barrio de Père Lachaise. Pero como todo lo bueno se acaba pronto, había que regresar a España. Mi ex-cuñado me acompaño a la terminal de autobuses. Mi Francés (pornográficamente anoréxico) causaba en los parisinos muequitas burlonas, o actitudes de civilizadores condescendientes con el bárbaro, (comprensible), lo que no quita que me produjera, tanto una actitud como la otra, un estado de irritación notable. Y ya se sabe que los franceses no toleran el Inglés y cuando se les habla en ese idioma se hacen los que no lo entienden. Había varios itinerarios para llegar a la Costa del Mediterráneo español. El más razonable hubiera sido de París a Barcelona, y de ahí a un paso de mi destino final. Pero a mí me gustan las resoluciones complicadas, por eso del Pensamiento Complejo y esa milonga de la Teoría del Caos. Más que gustarme, yo diría que las complejidades me persiguen, tal vez porque yo las atraigo, sin quererlo obviamente. Así que el camino para llegar a mi destino final sería una estadía de una semana en Lisboa. París-Lisboa es un viaje en autobús de poco más de un día. Hicimos varias paradas, las más importantes fueron en Bordeaux y en Salamanca. Al llegar por primera vez a Lisboa, sentí eso que leí de Pamuk, sobre Estambul, muchos años después. ¿Será el agua?, como dice una amiga. Tal vez. El agua y los puertos condensan la inquietud del lugar que se quiere olvidar, o el dolor inenarrable de la partida del entorno amado, o la incertidumbre que implica cualquier arribo. Y esos estados del alma no se evaporan como nubes pasajeras, sino que se impregnan como capas generacionales en un imaginario colectivo que tiene sus vidrieras en las literaturas, las músicas, las canciones del lugar. Marsella y la balada, Nápoles y la canzonetta, Buenos Aires y el tango, Pireos y la rebétika, Málaga y el flamenco, Cádiz y la habanera, por nombrar solo algunos de los géneros musicales y líricos que condensan una gran dosis de melancolía.

En Lisboa paré en un modesto pero muy pulcro hostal frente a la Plaza Don Pedro IV. Estaba a un paso de la Rua Augusta, de la majestuosa Plaza de Comercio, del puerto entre la desembocadura del Tajo y el Atlántico, del Café A Brasileira que frecuentaba el poeta Fernando Pessoa, del cual nunca se quiso despedir, por eso lo dejaron sentado en bronce, a su puerta. Me hice habitué del A Brasileira. Iba todas las mañanas y las tardes. El café tiene, entre su muchísima memorabilia, una gigantesca máquina de expreso, completamente de bronce, impecablemente lustrado, una verdadera reliquia de museo. El lugar está envuelto en un pasado de leyendas, personajes, espíritus, que ningún parroquiano quiere reemplazar por lo efímeramente novedoso. La máquina de café la manejaba una angolana, una de las mujeres más bellas que haya visto jamás. La angolana me contó que había estado de visita por Buenos Aires. Le dije que yo era poeta como Fernando Pessoa. La angolana no se conmovió. Que le podía enseñar a bailar el tango, del cual era un maestro. Tampoco se conmovió.

Un día tomé el tren eléctrico que une Lisboa con Cascais. El tren va bordeando literalmente el mar, corre tan cerca del Atlántico que las ventanillas quedan al océano deben bajarse. Si el tren en s mismo es un transporte melancólico, ese de Lisboa a Cascais, cumple con la cuota más alta. Al tercer día pregunté por un lugar donde se pudiera tomar un buen Trincadeira de Alenquer y escuchar auténtico fado. Me indicaron un restaurante en el Barrio de Alfama. A pesar que las finanzas no lucían todo lo espléndidas que yo hubiera deseado, tuve que cancelar algunos otros gastos que parecían prioritarios, para repetir mi visita al espectáculo de fado, en mi última noche en Lisboa. Cargado de ese sentimiento confuso, que Pamuk sabe descubrir con maestría, me despedí de Lisboa, una de las ciudades más bellas de Europa, y del fado, música que estremece. Aunque uno nunca se despide definitivamente de nada, ni nada lo abandona para siempre.









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Un homenaje

Eladio González (Desde Holguín, Cuba. Especial para ARGENPRESS CULTURAL)

A las Madres de la Plaza de Mayo, República Argentina

Con todo respeto y admiración les envío este pequeño y sentido homenaje. Ustedes con sus hechos le han mostrado al mundo la valentía de la mujer argentina. Para que Nunca Más impere la muerte y el odio entre los seres humanos.

Este Tango dedicado a los Desaparecidos es algo que brota del corazón de muchos Cubanos.

A LOS DESAPARECIDOS tango de Carlos Manuel Hernández Celaa (cubano)



Se llena de penumbras la noche
Todo el tiempo en macabras tinieblas
Como real y cruel pesadilla
Así fueron pasando las horas.

Se acabaron los días felices
Ya no había confianza en la vida,
La alegría se tornó en tristeza
Cuántas noches sin poder dormir.

Esta horrible y fatal pesadilla
Nos hundió nomás en sufrir,
Y en mis noches de tantos desvelos
La agonía de querer vivir.

¿Dónde están nuestros chicos perdidos?
¿Dónde están mis hermanos y amigos?
¿Qué fatal existencia han tenido?
Nuestros hijos que yo nunca olvido.

Cuanto odio se encierra en mi alma,
Cuántas lágrimas dieron mis ojos
Hoy no se de mis seres queridos,
¿Quién responde por los desaparecidos?

Hay quien cree que todo se olvida
Y que la sangre no exige castigo,
Yo no soy el señor poderoso
Pero quiero que exista el castigo.

Si alguien dijo que “No matarás”,
Yo te impongo que “ Al que a hierro mata”..
Porque mi alma reclama el derecho,
De los que han desaparecido.

(Se repite la 2ª. Estrofa)

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El Quijote y la educación intercultural

Jorge Zavaleta Alegre (Desde Lima, Perú. Especial para ARGENPRESS CULTURAL)

"¡Anchata munakuyki sonqochallay!", es un equivalente al inglés "I love you" o a la fría frase castellana "te quiero mucho". El equivalente de la frase es, en cambio, más musical y más tierno. Algo así como "¡yo te quiero mucho, corazoncito mío!", Demetrio Tupac Yupanqui.

La construcción de un mundo mejor en América Latina puede encontrarse en la educación intercultural bilingüe, como una certera invitación a la paz y un camino a la convivencia.

Abundan las propuestas de políticas educativas en contextos multilingües, pluriculturales y multiétnicos. Sin embargo, la aplicación de los distintos programas, encuentra obstáculos infundados, irracionales. No obstante, hay antecedentes históricos que marcan la presencia de El Quijote de la Mancha, cabalgando en los Andes.

La traducción de la obra de Cervantes al idioma andino opera como testimonio de la resistencia de una lengua nativa, como el quechua, que actualmente hablan 20 millones de personas a lo largo de toda Sudamérica, frente a la imposición del español como lengua oficial en América. Mucho más significativo es el hecho de que la edición cuenta con ilustraciones propias del pueblo Sarhua, conocidas como "tablas", que recrean el trabajo comunitario, y enfatiza la solidaridad colectiva, opina Luis Millones en su trabajo auto-etnográfico Amor Brujo (1989)



La Confederación Sindical Única de Trabajadores Campesinos de Bolivia denuncia: «La escuela que hemos conocido antes nos hizo callar, nunca permitió expresarnos ni comunicarnos, teníamos miedo de equivocarnos, nos castigó tanto moral como físicamente y nunca nos trató con afecto y cariño...»

La revista Iberoamericana comenta: «El sistema de educación del que hemos sido siervos en tantos años nos ha hecho frágiles y seriamente vulnerables a los distintos riesgos y provocaciones. Por eso el Consejo Regional Indígena formula que la educación sea propia».

En los territorios indígenas en los cuales las lenguas autóctonas son idiomas de uso predominante, la persistencia de lo indígena es innegable.Las constituciones de por lo menos once países - Argentina, Bolivia, Brasil, Colombia, Ecuador, Guatemala, México, Nicaragua, Paraguay, Perú y Venezuela - reconocen y aceptan su pluri o multiculturalidad y algunos, como en el caso ecuatoriano, que trasluce el carácter «multinacional» del país.

El multilingüismo latinoamericano está relacionado con la presencia de cerca de medio millar de idiomas indígenas u originarios. Con la existencia de lenguas criollas y de diversas lenguas extranjeras, producto de las migraciones africana, europea y asiática.

Si nos atenemos sólo a las lenguas amerindias, en la región se hablan entre 400 y 450 idiomas y un número mucho mayor de dialectos o variantes de aquellos. En Colombia, país en el cual la población indígena constituye sólo un 1,7% de la población total, se hablan entre 64 y 68 idiomas diferentes. En Bolivia y Guatemala, con una proporción de población indígena que bordea el 60%, están ante 32 y 23 idiomas, respectivamente. Brasil tendría más de 170 lenguas, cuando su población indígena no superaría los trescientos mil habitantes o el 1% de la población total.

En Perú unos siete millones de personas hablan quechua y unas 400 mil personas las 41 lenguas habladas en la Amazonía.

A excepción del Uruguay y de la subregión caribeña, hay presencia indígena desde el sur del Río Bravo o Grande hasta la Tierra del Fuego. Un poco más del 10% de la población total.

El quijote de Tupac Yupanqui

Los lingüistas latinoamericanos cumplen una loable, compleja y controversial labor para promover las lenguas nativas, cual Torre de Babel.

En este grupo destaca actualmente Demetrio Túpac Yupanqui - DTY traductor del Quijote en quechua. Su trabajo académico permite que la obra de Miguel de Cervantes Saavedra se pueda leer en el idioma de los incas. La traducción y adaptación de Tupac Yupanqui lleva el título: “Yachay sapa wiraqucha dun Qvixote Manchamantan”.



El Copyright ha sido asignado al peruano Miguel de la Quadra-Salcedo y los derechos de esa primera edición han sido cedidos a la Empresa Editora El Comercio, conglomerado periodístico, a quien los familiares y amigos del notable traductor peruano exigen un mayor reconocimiento al inmenso trabajo que le ha significado al equipo de la Academia “Yachay Wasi”, más aún cuando se anuncia una nueva edición. La primera del 2005 fue una presentación de lujo, para un mercado cautivo.

DTYes reconocido en diversos círculos de España que remarcan el valor del quechua, como el instrumento ideal para establecer el diálogo y evitar las rebeliones populares. Así se le escucha en sus concurridas clases con grupos de brasileros, suecos, americanos o compatriotas.

Cusqueño de nacimiento, padre de 11 hijos, lleva el mismo nombre de su antecesor, el Inca Túpac Yupanqui. Desde joven recibió exclusiva educaciónen un seminario, preparándose para ser sacerdote. Aprendió latín y música, y profundizó sus conocimientos en la gramática de la lengua que aprendió de su madre, en su hogar de San Jerónimo. Logró llevar el quechua a las aulas de la universidad de Cornell.

DTY, Cuzco, 1924, periodista, estudió filosofía y derecho en las principales universidades peruanas.En el 2008, su curso de quechua fue traducido al ruso, por A. Skromnitsky.

En 1968, el gobierno del general Velasco, en una época en que gran parte de América del Sur era gobernada por dictadores de extrema derecha, se promovió la igualdad de derechos para los grupos indígenas y decretó que el quechua debería contar con una igualdad de base jurídica igual al español.DTY, en 1975, recibió el encargo del gobierno para traducir el himno nacional de Perú al quechua, e impartió clases a militares, funcionarios públicos y algunos extranjeros interesados en los campesinos indígenas.

El gobierno de Alejandro Toledo, a través de la primera dama Eliane Karpe, antropóloga de profesión, trató de impulsar la enseñanza del quechua, pero le resultó difícil dar pasos firmes por el profundo racismo en el Perú, empezando por la tierra natal de Cabana, del presidente, donde en tiempos pasados, era penalizado el hablar la lengua de los andes: “La autoridad eclesiástica podría arrancarle hasta 50 cabellos por cada palabra expresada”, señalan sacerdotes y pobladores de los pueblos de la Cordillera Blanca donde habitó el gamonalismo y abuso con el campesino.

"La traducción de 'El Quijote' es importante no como una curiosidad, sino como un signo de lo que se debe hacer en una escala más amplia en las repúblicas andinas si los quechua hablantes fueran incluidos plenamente en sus respectivas comunidades nacionales", dice Bruce Mannheim, un antropólogo de la Universidad de Michigan.

La ruta del quetzal

Es el nombre de proyecto patrocinado por el Rey de España, en el que participan más de 300 jóvenes de 50 países, a través de un viaje cultural de un mes y medio. Demetrio Túpac Yupanqui es un invitado por su dedicación a la difusión del Quechua.



Para DTY, el Quechua es el idioma más importante de América, hablado por cerca de 30 millones de personas, lengua que tiene la cualidad de ser sencillay de gran precisión lingüística. Está considerada, a nivel de estudios avanzados, como el medio de expresión para exponer los elementos más sutiles del pensamiento humano.

Un antecedente editorial de Don Quijote en quechua santiagueño, lo encontramos en fragmentos que fue presentado durante el V Festival Cervantino, en Buenos Aire, 2005, por Javier Merás, quien recopila fragmentos cortos tipo haikus y pensamientos del propio Cervantes extraídos de El Quijote.

La traducción de DTY fue lograda en un par de años de intenso trabajo, que fue el gran atractivo de la Feria del Libro de Guadalajara. La primera parte de Don Quijote, consta de 514 pp y está ilustrado con dibujos de campesinos y paisajes de pueblos andinos.

El quijote en el volcán Sara Sara

Introducción de Don Quijote:

"En un lugar de la Mancha, de cuyo nombre no/
quiero acordarme, no hace mucho tiempo que/
vive un hidalgo de los de lanza en astillero,/
adarga antigua, rocín flaco y galgo corredor".
--
La versión quechua de estas líneas, dice: "Huh k'iti,/
la Mancha llahta suyupin, mana yuyarina markapin,/
yaqa kay watakuna kama, huh axllasqa wiraqucha,/
t'uhsinantin 'hidalgo' inka yawar, ch'aki rocin kawalluchayuh,/
phawakachah

Los pueblos ayacuchanos, ubicados al pie del volcán Sara Sara, fueron visitados en las últimas elecciones generales del Perú del 2012. Si en el siglo XVI, en estas tierras se escenificó el Quijote de la Mancha, por primera vez en América; hoy adquieren notoriedad porque Oyolo, remoto distrito, a 18 horas de Lima, es la cuna de los Humala Tasso. El ex comandante Ollanta Moisés Humala, es elegido presidente de la República 2011-2016.

Ayacucho - el rincón de muertos, en quechua - es una región emblemática de la historia sudamericana, porque en ella se dio en 1824 la última batalla por la independencia de la corona española. En tiempos electorales salieron a luz las bondades y limitaciones de la provincia de Páucar de Sara Sara, al pie de un volcán, con su capital La Pauza, la ciudad Cervantina de América, y Oyolo, uno de los distritos más rebeldes.

La reconciliación llegó a Oyolo, “zona roja” en los años noventa, para inventariar la barbarie de Sendero Luminoso y la represión militar. Antes, en 1914 - 1930, los campesinos se levantaron contra los “mistis” y gamonales, en épocas de sequía y fríaje.

La Pauza, cuna de músicos y artesanos, vivió una fugaz fama literaria, que los maestros de escuela suelen repetir, como una quimera de oro. En aquella ciudad serrana, ocurrió algo histórico a partir de un 19 de octubre de 1607, por espacio de dos meses.Ese día, El Quijote de don Miguel de Cervantes, salió del libro para viajar a los andes americanos.

A esa localidad había llegado el recién nombrado virrey Marqués de Montesclaros. Pues, el corregidor de Parinacochas, Pedro de Salamanca, en homenaje a la autoridad, propició la escenificación de la obra cumbre de la literatura castellana. Se trataba de la segunda puesta en escena en el mundo, después de Valladolid, en junio de 1605. A la plaza de La Pauza acudieron los españoles radicados en esa rica zona de oro y plata.

Durante el Virreinato, el eje del comercio mundial fluía entre España, Boston, Lima, Huamanga (capital de Ayacucho), Potosí y Buenos Aires. Pues con el tiempo, la cruz y la espada instauraron fiestas y costumbres eternas.

El quechua y la ley

DTY explica que promover el quechua no es cuestión de leyes. Ninguna lengua se expande mediante una ley, y menos en un país como el Perú, en que no hay ni textos ni suficientes profesores de quechua. A las lenguas le dan vida los pueblos y no las leyes; lo lamentable es que el pueblo quechua no cuenta con los medios modernos de la comunicación.

A lo largo del siglo XX el porcentaje de quechuahablantes en el Perú no ha dejado de reducirse, y en el último censo de 2007 solo el 13,2% de la población confesaba tener el quechua como primera lengua de comunicación.

Respecto al quechua, diversos escritores, desde diferentes vertientes han opinado sobre las bondades de la integración a través de nuestras lenguas nativas. Son múltiples esos textos: de José María Arguedas, Mario Vargas Llosa y Carlos Eduardo Zavaleta, entre otros. CEZ, quien solía retornara la tierra de su infancia (Callejón de Huaylas), solía decir: “Mi vida me permitió conocer el Perú y me permitió conocerme a mí mismo. Me acuerdo nítidamente de las escenas serranas que están en mis cuentos, el paisaje, la gente pobre, pero resistente. Los ancashinos han pasado tremendos aluviones, peligros, terremotos salvajes. Son indestructibles. El quechua es una lengua muy tierna, para hablar de amor”.

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Plástica. Desde Chile: Carmen Aldunate

Carmen Zita Aldunate Salas, pintora y dibujante. Nació en Viña del Mar, Chile, el 10 de febrero de 1940.

Ingresó a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Católica de Chile a los diecisiete años, luego continuó en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Chile. Fue alumna de Mario Carreño, Roser Bru, Nemesio Antúnez, Delia del Carril, Mario Toral y José Balmes. También realizó estudios de postgrado en el Departamento de Arte de la Universidad de California en Davis, Estados Unidos, donde tomó contacto con Thiebud, William Wiley y De Kooning.



Vivió 7 años en Estados Unidos. De regresó en Chile ha trabajó como profesora de dibujo y pintura en la Universidad Católica de Chile y en diversas instituciones.

Destaca su trabajo como ilustradora de importantes publicaciones literarias. Ha participado en proyectos que integran arte y decoración.

Desde 2004 es Miembro de Número de la Academia de Bellas Artes del Instituto Chile.

Estrategia Visual

Su obra surgió a mediados de la década del setenta junto a un grupo de artistas que se inclinaron por el movimiento pictórico neo figurativo, inspirado en la literatura del realismo mágico latinoamericano.

La figura humana tiene un papel protagónico en su trabajo que cobra un carácter narrativo de gran contenido psicológico.

La artista hace gala de oficio, al pintar, dibujar y desarrollar técnicas clásicas y modernas que requieren prolijidad y paciencia. Trabaja de preferencia en gran formato el óleo sobre tela, óleo sobre madera, dibujo a lápiz, pastel, técnica mixta, collage madera fija, maderas teñidas, pintadas y cortadas. La preponderancia que otorga al dibujo como base de toda técnica, se manifiesta claramente en sus grabados.

La figuración propia y rostros de mujeres de rasgos idealizados, son una constante en sus cuadros. Las viste con ropajes renacentistas y las inserta en exóticos escenarios en los que tanto el encanto como el misterio, se hacen presentes a la vez que imponen un mensaje feminista que denuncia con elegante sarcasmo y humor, la opresión y el sufrimiento psicológico del que por siglos, han sido víctimas las mujeres.

Premios y Distinciones:
1962 Primer Premio Pintura, Feria de Artes Plásticas, Santiago, Chile.
1962 Primer Premio Pintura, Concurso Inter-Universidades, Santiago, Chile.
1967 Tercer Premio Pintura CAP, Museo de Arte Contemporáneo, Universidad de Chile, Santiago, Chile.
1967 Premio Pintura Sesquicentenario de la Bandera Chilena, Santiago, Chile.
1968 Mención Pintura CRAV, Santiago, Chile.
1974 Primer Premio Dibujo, Salón Oficial, Santiago, Chile.
1975 Primer Premio Dibujo, Bienal de Valparaíso, Chile.
1975Premio Pintura, Concurso Editorial Lord Cochrane, Santiago, Chile.
1977 Primer Premio Dibujo Tercer Concurso Colocadora Nacional de Valores, Santiago, Chile.
1978 Primer Premio Bienal Punta del Este, Uruguay.
1981 Mención en Dibujo, IV Bienal Americana de Artes Gráficas, Cali, Colombia.
2004 Miembro de Número de la Academia Chilena de Bellas Artes por el Instituto de Chile, Santiago, Chile.

Ver su obra aquí

Fuente: http://www.artistasplasticoschilenos.cl/biografia.aspx?itmid=611

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Te queda soñando

Norton Contreras Robledo (Especial para ARGENPRESS CULTURAL)

Te queda soñando su presencia
Su andar como esquivando al destino a cada paso
Te queda soñando su presencia
Y ese encuentro que no pudo
detener el paso apresurado
de las horas queriéndole robarle
los minutos al tiempo y eternizar
el sueño existiendo bajo el claro de luna
Te queda soñando su esencia de luz y de sombra
Esa alegría que pinta los días de colores
Esa nostalgia que entristece la tarde



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Cine clásico: “Ensayo de orquesta”, de Federico Fellini (Italia, 1979)



Análisis de la película:

Federico Fellini, el fabulador

J. A. Souto Pacheco

Ensayo de orquesta nació para la televisión. Producida por la RAI, cuando aún no se había estrenado fue objeto de una extensa polémica en la prensa italiana de la época. Años después de que La dolce vita diera tanto de que hablar, regresaba el Federico Fellini más polémico y amargo.

En primer lugar, la distribuidora francesa Gaumont y la RAI se enzarzaron en una lucha por los derechos de proyección de la obra en las salas cinematográficas. Según el acuerdo con Fellini, la cinta debía ser distribuida por la Gaumont en los cines para que varios meses más tarde la RAI lo pasase por televisión. El problema surgió cuando la RAI, productora del film, se descolgó con unas pretensiones económicas exageradas. Evidentemente, la RAI tuvo que ceder en sus demandas y Ensayo de orquesta acabó estrenándose a mediados de febrero de 1979.

Y con el estreno llegó el escándalo. La película estuvo precedida, y su estreno aún avivó más el tema, por una serie de declaraciones de políticos, críticos, intelectuales, etc. que tildaban a Ensayo de orquesta de panfleto político. Las interpretaciones sobre el film oscilaban entre los que veían en él un ataque a la democracia y el canto a una sociedad totalitaria, y aquellos otros que observaban en la película una advertencia premonitoria de lo que podía llegar a pasar si se continuaba cediendo al desorden democrático. Los diarios de derecha le dedican gran espacio, el movimiento sindical queda dividido y el Partido Comunista Italiano adopta diversas interpretaciones. Por su parte, Fellini negaba que el film sustentara una explícita alusión a la situación italiana del momento.

Para situarnos mejor en este enredo, deberíamos desentrañar lo que Fellini nos cuenta, describir el argumento de la película. (Si algún lector no ha visto la película, aún está a tiempo de pasar al siguiente párrafo si lo desea). Toda la película transcurre en una antigua iglesia medieval. Su acústica resulta perfecta para que pueda tocar en ella una orquesta. Los músicos de la orquesta van llegando en pequeños grupos mientras un equipo de televisión, al que nunca vemos, los entrevista. Cada músico habla de su instrumento ensalzándolo hasta tal punto que cada uno lo considera como el pilar fundamental de la orquesta. Los comentarios van desde las frases más retóricas y pedantes hasta lo más banal y grosero. Comenzamos a ver las relaciones entre los músicos. De repente, aparece el director, que habla con un fuerte acento alemán. La orquesta empieza a ensayar, pero nadie se llega a entender y poco a poco se llega al desorden más absoluto. El director pide orden, el delegado sindical y algunos de los músicos comienzan a discutir y a pintar slogans. Los músicos más ancianos permanecen al lado de la figura del director mientras la mayoría de la orquesta descansa bebiendo y fumando en un pequeño bar. La situación da pie para que el genio de Fellini campe a sus anchas: multitud de personajes que van y vienen y pequeñas historias absurdas y surrealistas sirven para que el director italiano frustre una y otra vez en ensayo de la orquesta. Se oye un gran ruido y una de las paredes de la iglesia estalla. En el agujero de la pared aparece una gran bola de demolición. El desorden se convierte en caos. La arpista muere y el director convoca al resto de músicos. Tras reanudar el ensayo, el director vuelve a realizar el mismo tipo de reproches, gritando más en alemán.

Resulta evidente el carácter parabólico de Ensayo de orquesta. Otro cantar es el de si las imágenes de la película transmiten nostalgia de la dictadura o apuestan por la contundencia ante el desorden que puede conllevar la democracia. Yo creo que Fellini no establece un discurso político sino que encuentra en la realidad sociopolítica de la época el caldo de cultivo ideal para dar rienda suelta a su microcosmos personal. No se trata de tomar partido sino de escribir una fábula que está abierta a todas las interpretaciones que el espectador aporte. De su realización se desprende que Fellini no toma partido, simplemente expone. El director de Amarcord nos muestra el conflicto social entre clases, nos habla del abuso de poder y de la delgada línea que separa la imposición del orden por la fuerza de la tiranía y el totalitarismo. Los fantasmas de Fellini están bastante alejados de lo terrenal, su espíritu está por encima de disquisiciones políticas. El director italiano mira y deforma la realidad a su gusto para acabar devolviéndonos una realidad carnavalesca.

Otra posible lectura que ofrece Ensayo de orquesta es la de exponer la soledad del director (del creador) en la elaboración de una obra de arte colectiva. Fellini confronta a los músicos-actores con el director. Para que la música suene armoniosamente se hace necesaria la presencia del director, de su punto de vista y de sus órdenes. De esta forma, el ensayo de la orquesta se convierte en un espejo de lo que puede suceder en el set de rodaje. No obstante, y como ya señalaba en el párrafo anterior, no debemos obviar ni olvidar la visión deformante que Fellini imprime a sus historias, ya que en caso contrario podría parecer que es la burla el objetivo del director, punto de vista totalmente erróneo porque supondría un posicionamiento que Ensayo de orquesta no busca ningún momento. En esta segunda lectura que podría ofrecer la película, Federico Fellini se convertiría en cómplice observador de sus personajes, siendo la figura del director de orquesta más paródica que moralista.

La puesta en escena del film es brillante y austera, seguramente propiciada por el bajo presupuesto con el que contaba la película y por los escenarios en los que Fellini está obligado a mover la cámara. Hay que destacar los planos generales de ida y vuelta, de izquierda a derecha y derecha a izquierda, que Fellini nos muestra cuando se desarrolla la música, la cámara sigue los movimientos musicales.

Aquí no nos encontramos con el barroquismo exuberante de Satyricon o de Casanova. Ensayo de orquesta es una obra dura y sobria, como las paredes de la iglesia en el que los músicos ensayan, en el que los trazos del dibujo de los personajes son la baza más compleja que ofrece el director italiano. Es en este aspecto donde la película alcanza aquello que la cinefilia conoce como felliniano.

Por último y para finalizar este artículo, nunca está de más hablar de la aportación de Nino Rota en las películas de Fellini pero en esta se hace más acuciante al ser un film tan eminentemente musical. Compositor de la gran mayoría de la filmografía de Fellini, en Ensayo de orquesta compone una partitura muy sugestiva. El film es, en el fondo, un homenaje de Federico Fellini a Nino Rota, un homenaje al artista (con el que estaba colaborando por última vez) y al amigo.

Fuente: http://www.miradas.net/0204/estudios/2004/01_ffellini/ensayodeorquesta.html

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Algunos apellidos

Gustavo E. Etkin (Desde Bahía de San Salvador, Brasil. Especial para ARGENPRESS CULTURAL)

Cada vez que tenía que decir su nombre suscitaba sorpresa o una sonrisa. A veces le preguntaban: -“¿me estás cargando?”

Su nombre era Asamudia Pergansoro. El apellido de su padre, Armando Pergansoro. Por el que cuando era chico en la escuela primaria, y a veces en la secundaria lo cargaban y llamaban Pergansorete. Lo que causaba furiosas peleas.

Así iba pasando la vida de Asamudia hasta que un día, en el trabajo, conoció a un reciente empleado: Parnosio Condisirles.

Apenas supieron el nombre del otro se apasionaron profundamente. Hasta que se casaron (por el civil, ya que eran ateos) y ella pasó a llamarse Asamudia Pergansoro de Condisirles.



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Los psiquiatras se suman a la abolición del DSM y el CIE y apoyan el modelo de rehabilitación en salud mental

INFOCOP

Un amplio grupo de psiquiatras, liderados por el doctor S. Timimi, ha enviado una petición formal al Colegio de Psiquiatras de Reino Unido en la que solicitan la abolición de los sistemas de clasificación diagnóstica, CIE y DSM. La petición se ha acompañado de una campaña de recogida de firmas en la plataforma Change.org, que, en el momento de redactar este artículo, contaba con el apoyo de más de 1.000 firmantes en tan sólo dos días tras su lanzamiento. En declaraciones a los medios, S. Timimi ha afirmado que: “El proyecto del DSM no se puede justificar, ni en sus principios teóricos ni en la práctica. Tiene que ser abandonado para que podamos encontrar formas más humanas y eficaces de responder a la angustia mental”.

En el comunicado, titulado “No más etiquetas diagnósticas” (No more psychiatric labels), realizan una revisión exhaustiva de los motivos y de la evidencia científica en la que sustentan esta posición, estableciendo las siguientes conclusiones:



• Los diagnósticos psiquiátricos no son válidos.
• El uso de los diagnósticos psiquiátricos aumenta la estigmatización.
• La utilización de diagnósticos psiquiátricos no ayuda a la decisión sobre el tratamiento a elegir.
• El pronóstico a largo plazo de los problemas de salud mental ha empeorado.
• Estos sistemas imponen las creencias occidentales sobre los trastornos mentales en otras culturas.
• Existen modelos alternativos, basados en la evidencia, para proporcionar una atención eficaz en salud mental.

El escrito, supone una declaración sin tapujos, de lo que estos psiquiatras consideran acerca del quehacer de su trabajo y del futuro de la salud mental. “La psiquiatría se encuentra atrapada en un callejón sin salida”, aseguran en la introducción al texto. La recopilación de estudios científicos sobre epidemiología, las investigaciones transculturales y los ensayos clínicos de eficacia del tratamiento “ponen de relieve hasta qué punto los datos son inconsistentes con el modelo médico dominante, basado en diagnósticos, y considerado como el paradigma organizativo de la práctica clínica”. “El uso continuado de los sistemas de clasificación diagnóstica para la realización de la investigación, la formación, la evaluación y el tratamiento de las personas con problemas de salud mental es incompatible con un enfoque basado en la evidencia, capaz de mejorar los resultados”. Por tanto, “ha llegado el momento de facilitar que la teoría y la práctica en salud mental superen este estancamiento, eliminando los sistemas de clasificación diagnóstica CIE y DSM”.

En relación con la etiología de los trastornos mentales, el comunicado señala que “el fracaso de la investigación científica básica para revelar cualquier disfunción biológica específica o cualquier marcador fisiológico o psicológico que sirva para identificar un determinado diagnóstico psiquiátrico es sobradamente reconocido”. “La única excepción importante a la falta de apoyo sobre la etiología de un diagnóstico es el trastorno por estrés postraumático, que atribuye los síntomas al resultado directo de un trauma”. Además, “existe un amplio cuerpo de evidencia que vincula los episodios psiquiátricos, considerados como más graves, como las alucinaciones auditivas y la psicosis, a situaciones de trauma y abuso, incluyendo el abuso sexual, el físico y el racial, la pobreza, el abandono y el estigma”. Por este motivo, “es importante tratar de comprender las experiencias psicóticas dentro del contexto de la historia de vida de la persona. No hacerlo puede resultar perjudicial porque empaña y añade confusión acerca de los orígenes de las experiencias y conductas problemáticas, teniendo la posibilidad de ser entendidas”.

Los autores del texto se muestran preocupados ante la falta de validez de los sistemas de clasificación diagnóstica y manifiestan que “el hecho de que la investigación científica básica no haya podido establecer ningún marcador biológico específico para ningún diagnóstico psiquiátrico, pone de manifiesto que los sistemas de clasificación actuales no comparten el mismo valor científico para pertenecer a las ciencias biológicas que el resto de la medicina”. Sin embargo, afirma el comunicado, “nuestra incapacidad para encontrar correlatos biológicos no debe ser vista como una debilidad. En lugar de empeñarnos en mantener un línea de investigación científica y clínicamente inútil, debemos entender este fracaso como una oportunidad para revisar el paradigma dominante en salud mental y desarrollar otro que se adapte mejor a la evidencia”.

A este respecto, el documento recoge los estudios y meta-análisis que avalan la eficacia de determinadas intervenciones psicológicas, así como las investigaciones sobre el efecto placebo asociado a los psicofármacos, afirmando que el modelo biologicista en enfermedad mental está obsoleto. El desequilibrio bioquímico en el que se basa el tratamiento farmacológico en salud mental, “no se ha podido demostrar”, según señala.

Asimismo, detallan los graves perjuicios que puede suponer para las personas ser tratadas bajo la perspectiva biológica (la estigmatización, la falta de búsqueda de las verdaderas causas del problema, la confianza ciega en la medicación…), así como los riesgos y la falta de eficacia del tratamiento farmacológico, citando las investigaciones, incluso realizadas por la Organización Mundial de la Salud, que evidencian, al comparar transculturalmente poblaciones de personas con trastorno mental que no habían recibido ningún tratamiento farmacológico con personas con trastorno mental que sí lo habían recibido, que “los pacientes con trastorno mental, fuera de EE.UU. y Europa, presentan unas tasas de recaída significativamente más bajas y son significativamente más propensos a alcanzar una plena recuperación y menor grado de deterioro a largo plazo, aunque la mayoría haya tenido un acceso limitado o nulo a medicación antipsicótica”.

“En resumen, parece que actualmente contamos con una evidencia sustancial que muestra que el diagnóstico en salud mental, como cualquier otro enfoque basado en la enfermedad, puede estar contribuyendo a empeorar el pronóstico de las personas diagnosticadas, más que a mejorarlo”, señala el documento. “Por lo tanto, la única conclusión basada en la evidencia que se puede extraer es que los sistemas psiquiátricos diagnósticos formales, como el DSM y el CIE, deberían abolirse”.

Como alternativa, el grupo de psiquiatras que ha elaborado el documento, propone la implantación de nuevos paradigmas, basados en la evidencia, “que pueden ser desarrollados e implementados fácilmente”, e instan a la colaboración y el debate conjunto con otros profesionales de la psicología, sociología, filosofía, medicina, etc. Concluyen su comunicado, enumerando los siguientes “buenos puntos de partida”, tanto en la búsqueda de factores causales como en la realización de la práctica clínica:

• Etiología: las investigaciones sobre la estrecha asociación entre situaciones traumáticas, sobre todo, en la infancia y adolescencia, y trastornos mentales como la psicosis, dan cuenta de que los factores contextuales deben integrarse en la investigación.
• Práctica Clínica: Si bien los resultados sobre la eficacia del tratamiento farmacológico no ha mejorado en 40 años de investigación, existen otras alternativas, “en áreas tan diversas como los servicios de psicoterapia, los servicios comunitarios en salud mental, abuso de sustancias e intervención con parejas”, que han incorporado el peso que juega la alianza terapéutica o el apoyo social en la eficacia de la intervención, mejorando la eficacia de las resultados. Determinados movimientos basados en un enfoque de “recuperación” o “rehabilitación”, en vez de en un modelo de enfermedad y de clasificación diagnóstica, así como los programas que defienden un modelo integrado de atención a la salud mental y física, “son buenos ejemplos de cómo la evidencia puede incorporarse para facilitar un cambio de la cultura institucional”.

En definitiva, el texto supone un reconocimiento formal de las aportaciones y de la eficacia de las intervenciones psicológicas, así como del paradigma biopsicosocial y del enfoque basado en la rehabilitación, que defiende esta rama de la ciencia. Lo insólito del documento, es que es un hito que esta afirmación esté siendo avalada por un grupo de psiquiatras, comprometidos con su profesión y preocupados por mejorar la atención que se presta en salud mental.

Se puede consultar el texto completo en el siguiente enlace: http://www.asylumonline.net/no-more-psychiatric-labels/

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La Música Árabe

Matías Giuliani

1. Introducción a la cultura árabe

En primer lugar hay que tener en cuenta que el desarrollo de la música tomó distintos caminos si comparamos oriente con occidente. En occidente se dio un gran desarrollo en lo que hace a la simultaneidad de los sonidos, mientras que en oriente hay una preponderancia de lo sucesivo. Concretamente, mientras un "mundo" desarrolló la cuestión armónica, el otro se dedicaba al desarrollo melódico. Como otra característica de oriente, se puede decir que quizás por haber desarrollado el campo espiritual o religioso, la música tiene connotaciones religiosas, y cuando no es así tiene al menos un sentido más profundo y místico. Se puede ver esto en los ragas hindúes, en los patet del gamelan de Indonesia como en los macam de la música árabe. Estos tres conceptos tienen en común el hecho de que no son solo escalas o una serie de notas de un método de composición, sino que están ligados a ideas musicales, estados de ánimo o momentos religiosos.

Es importante tener en cuenta que para los árabes en general, la música es muy importante. Son grandes consumidores de este arte.

La música árabe es un arte de consumo. Solo se halla funcionalidad en algunos ámbitos religiosos como por ejemplo algunos judíos árabes que utilizan determinados ritmos o macamat para determinadas actividades religiosas.

Dentro de la cultura árabe se pueden encontrar muchas etnias. El mundo árabe se encuentra repartido en tres religiones: musulmana, judía y cristiana. Turquía, no es un país árabe, pero se destaca por tener un desarrollo musical muy importante. Poseen un buen sistema de códigos y universidades sobre el tema. Desde fines del siglo pasado, Egipto es el referente musical del mundo árabe.

El imperio otomano (turco) influyó mucho en cuanto a lo musical; bajo la dominación del imperio, las cortes mandaban músicos de una corte a otra. Esto produjo la difusión de distintos estilos en lugares a veces muy remotos al de su origen.

Durante ese período, los árabes tomaron a España como base cultural. Es por esto que a veces se encuentran más rasgos árabes en la España árabe que en países árabes de origen. Esto se observa, por ejemplo en la arquitectura.

2. Instrumentos

Aerófonos:

Miswish: dos aerófonos de caña de lengüeta simple unidos, que suenan simultáneamente y con las mismas notas. La leve desafinación entre los tubos produce un sonido particular.

Mismar: antecedente al oboe.

Nai: (similar a la quena) Es de caña y posee una embocadura bastante particular y que dificulta su ejecución.

Kawala: (Nai más grave) Puede ser de caña o madera. Tiene la particularidad de sonar la fundamental y la octava a la vez.

Clarinete: En algunos países utilizan el clarinete en sol, con algunas, modificaciones en su afinación.

Acordeón: Desde 1940, aproximadamente, se introduce el acordeón en la orquesta. Como sucede en general con los instrumentos "importados" de otras culturas, se lo modifica en su afinación para lograr los cuartos de tono.

Cordófonos:

Laúd: (oud en árabe quiere decir rama o madera. Con el tiempo cambió a la palabra laúd). Es el más utilizado en la música árabe. Es similar el lugar que ocupa dentro de la cultura a nuestra guitarra española. En general hay alguien en cada familia que toca el laúd. La versión de este instrumento que se usa es la que queda conformada en Persia en el siglo XIV. La guitarra es también de origen árabe, pero tiene una historia paralela al laúd. En sus orígenes este instrumento tenía trastes, ahora no. Se ejecuta con un plectro hecho de cuerno que se llama rish. En realidad rish quiere decir, en árabe, pluma. Los plectros originales son de pluma.

El plectro se toma firmemente, no como una púa occidental. Esto hace que el instrumento suene con mucho más peso que un cordófono occidental. (Occidental europeo) La mano se mueve entera y con movimientos amplios; otra de las diferencias con la guitarra.

La afinación del laúd es, empezando por la cuerda 1era (más aguda) de la siguiente manera: 1era : Do, 2da: Sol, 3ra: Re, 4ta: La, 5ta: Sol, 6ta: Re. En general se toca siempre en primera posición. Las cuerdas más graves (4ta, 5ta y 6ta) suelen hacer un ostinato o pedal.

Rabab: Cordófono frotado. El arco es de cerdas de caballo como los occidentales. En general son de una cuerda, pero puede haberlos de 2, 3 y 4. Pueden ser como una especie de laúd más pequeño o con una caja de resonancia de madera (el aro) y 2 parches (el nombre de este instrumento es muy similar a un cordófono de muy parecidas características perteneciente a la música de Java, en indonesia)

Kemanya: Cordófono frotado. Mástil cilíndrico con 4 cuerdas. El ejecutante va girando el instrumento sobre su propio eje para poder tocar las cuerdas, colocadas alrededor del mástil.

Violín: Utilizan el violín occidental cambiándole la afinación a las 2 primeras cuerdas a re y sol, o bajando la afinación de todo el instrumento. Esto produce un efecto sonoro similar al de la viola.

Kanun: (la palabra viene de ley, cánones) Es una citara con cuerdas de nylon y ocupa el lugar principal en la orquesta. Se ejecuta punteado, con dos plectros sujetados con anillos metálicos, uno en cada mano. Por cada nota posee tres cuerdas de igual afinación, similar al arpa de un piano en su registro medio. La cantidad de cuerdas asciende a 75 (25 sonidos por 3 cuerdas cada uno). La caja de resonancia es chata y el puente apoya sobre parches de cuero que trasmiten las vibraciones a la caja. Cada uno de los sonidos, posee llaves que durante la ejecución permiten al instrumentista cambiar la afinación un cuarto de tono, medio, uno y en las cuerdas centrales hasta un tono y medio. Algunos instrumentos más elaborados poseen llaves que permiten cambiar la afinación por comas. Se ejecuta solo o acompañado. Durante la ejecución, el instrumentista puede apagar el sonido con la mano izquierda, hacer apoyaturas o bordaduras o cambiar la afinación presionando con el dedo cerca del clavijero. Ambas manos pueden tocar la misma cuerda haciendo trémolos.

Electrónicos

Sintetizador: En la actualidad es muy común encontrar teclados sintetizadores dentro de la música árabe. Estos son producidos por las grandes marcas en especial para el mundo árabe. Poseen sampleos (grabaciones de sonidos reales) de instrumentos originales árabes, así como ritmos tradicionales ya configurados.

Guitarra eléctrica: en orquestas modernas se ven este tipo de instrumentos eléctricos.

Percusión

Toques: Los toques más importantes son el dum y el tac. Similar a otras culturas orientales, el nombre de los toques viene del sonido que producen. Se aplican estos nombres a todos los instrumentos de percusión que tienen parche.

Derbake: Este es quizás el instrumento de percusión más importante. Cuando otros instrumentos marcan el ritmo base, el derbakista rellena e improvisa con bastante libertad. El instrumento puede ser de madera y parches de cuero como de otros materiales modernos como fibra de vidrio y parches de plástico. Estos últimos son más utilizados a nivel profesional, debido a que los parches de cuero suelen romperse más seguido, aparte de poseer la particularidad de tener que calentarlos para estirar el parche antes de su ejecución.

Daola:

Es similar al derbake pero casi el doble en tamaño.

Daf: Es una especie de pandereta con chapas (sonajas).

Masjar: Idem raf, pero más grande. Mucho más sonoro.

Ra: similar a los anteriores, pero sin sonajas y más grande.

Chinchines (en árabe snush): son dos platillos de bronce por mano, que se colocan con unas tiritas de cuero en los dedos pulgar y medio. Se entrechocan duplicando el pulso de un ritmo o en algunos casos marcando los acentos iniciales.

3. La Voz

El canto es muy melismático. Puede ser femenino o masculino. Hay lugares donde no está bien visto que la mujer cante.

Salguta: Se llama con este nombre a un grito que las bailarinas hacen en medio de la actuación. Originalmente es un grito de guerra. Las mujeres despedían o recibían con este a los hombres en situaciones de guerra. También se lo puede escuchar en situaciones como casamientos, etc.

Macam (Plural: macamats)

Este término define lo que sería para nosotros una especie de modo. Es una idea musical, que no necesariamente tiene que estar formada por siete sonidos. Se pueden encontrar alrededor de 150 macamats. A su vez, pueden encontrarse macamats conformados por las mismas notas, pero acentuando otras.

Es común que tanto en una composición como en una improvisación se comience con un macamat, se pase a otro y se termine volviendo al macamat inicial.

Algunos macamat no poseen cuartos de tono, lo que los hace más aceptados por occidente. Como ejemplo se pueden citar al macamat macris (escala menor occidental con la cuarta aumentada) y el macamat jiyaz (escala mayor con la segunda disminuida). Observar lo característico de las segundas aumentadas (entre el 3er y 4to grado en el primer caso y entre el 2do y el 3ro en el segundo caso).

Se pueden combinar los macamats, por ejemplo ejecutando un macamat en el tetracordo inferior y otro en el superior.

El "arte" y profesionalismo del músico se halla en la capacidad de pasar con suavidad de un macam a otro. Si el macam a cambiar es muy distinto, se puede utilizar una especie de modulación por pasos (viéndolo desde un punto de vista occidental) pasando por distintos macamat, para ir agregando poco a poco las alteraciones necesarias para evitar un cambio brusco.

El macam "Ayan" posee la misma estructura que el modo mayor occidental.

Mahual:

El cantante improvisa, "dialogando" con la orquesta de manera interactiva. Este puede cambiar de macam y la orquesta lo seguirá o viceversa. Podría hacerse una analogía con la "payada" Argentina en cuanto a su forma de proceder.

Taksim:

Improvisación. Puede ser realizada por cualquier instrumento. Se lo puede encontrar como un preámbulo del Mahual. Puede ser ejecutado sobre una base rítmica o no.

Un solo de derbake (tambor) no es taksim; es simplemente un solo.

Orgánico de la orquesta (formación):

La formación tipo de una orquesta árabe es la misma desde 1940. Esto se debe a que en aquella época hubo una cantante muy famosa (Unkaltum), cuya orquesta se tomó como referente.

Dabke: danza que se baila en ronda.

Los griegos fueron también dominados por el imperio otomano y tienen mucho de música árabe. La diferencia está en que los griegos se "occidentalizaron" eliminando los cuartos de tono y desarrollando la armonía. Esto produjo una mayor aceptación de la música griega en occidente en comparación con la árabe.

4. Ritmos

Hay gran variedad de ritmos. A continuación se describen los más utilizados:
(los ritmos están representados con dos tipos de toques del derbake, el Dum. enla nota sol, y el tac, en la nota re. Estas son "claves" rítmicas sin altura de sonidos; los pentagramas están simplemente para identificar rápidamente la diferencia entre el sonido grave y el agudo)

Balladi (del pueblo)

Maksaum

Saúdi (común en Siria Líbano y Egipto)

Malfuf (o Laff)

Saídi (campesino)

Tabl
(En general se toca con el bombo, por esto se llama tabl. Se percute con dos cañas, una con la punta doblada que golpea en el parche y otra que golpea al costado)

Sarieh

Ritmo igual al Macsaum pero al doble de tiempo.

Tahuil (Largo y alto)

También se lo suele llamar Wahda Kbir (ritmo grande).

Misma figuración rítmica que el Malfuf, pero mucho más lento y con otra tesitura.

Chifteteli (otra forma de Tahuil llamada así por los turcos).

Muy utilizado en las bases para realizar Taksim (improvisación). El segundo compás introduce una variación.

Saffa

En general se utiliza en casamientos o en procesiones.

Falahi

Ayub (o Zaar)

Kacahli

Samai
Este ritmo es de mayor complejidad por el tipo de compás.

Masmoudi

El Cairo y Alepo son las dos ciudades de referencia para la música árabe. En cada una se fueron desarrollando distintas tendencias, por lo que algunos nombres y hasta estilos y conceptos pueden ser bastante diferentes según de donde provengan.

Presentamos varios ejemplos de esta música, lejana a nuestra tradición occidental, pero siempre atractiva y cautivante.






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Importante aporte de A. Turpana a la antropología y la historia panameñas

Olmedo Beluche (Desde Panamá. Especial para ARGENPRESS CULTURAL)

El lingüista dule-panameño Aristeides Turpana Igwaigliginya, en el marco de los debates producidos en torno a la conmemoración de los 500 años del “descubrimiento-avistamiento” del “Mar del Sur”, ha hecho un aporte revolucionario a la historia y antropología panameñas al cuestionar la versión tradicional que atribuye a una etnia o nación denominada “cueva” o “cueba” la pertenencia de las comunidades con las que se toparon los conquistadores en el Istmo de Panamá. Turpana, a partir de un estudio fundamentalmente toponímico, herramienta de apoyo de la antropología, afirma categóricamente que esas comunidades pertenecían a la nación dule (llamada por los europeos “cunas” o “kunas” o “gunas”). Más precisamente “gungidule”, que significa personas puras u honradas.



La versión que nos enseñaron, por ejemplo en la Maestría de Estudios Políticos de la Universidad de Panamá, en un curso del gran historiador panameño (el principal experto en el período colonial en el Istmo), Alfredo Castillero Calvo, basados en su libro “Conquista, Evangelización y Resistencia”, se basa en la creencia de que los primeros grupos humanos con que chocaron los conquistadores encabezados por Balboa, pertenecían a la nación “cueva”. Los “kunas” o “gunas” (realmente “dules”) habrían llegado de la zona de Urabá posteriormente, a lo largo de los siglos XVI y XVII, a partir del vacío producido por la desaparición del grupo “cueva”, que fuera extinguido por la atrocidades cometidas por los conquistadores, dice esa versión.

Según explica Turpana (en diversos artículos, conferencias y conversaciones personales) la versión sobre un pueblo “cueva” procede de Bartolomé de las Casas, que es quien primero lo menciona en su libro “Historia de las Indias”. Lo cita Turpana (artículo inédito): “En este tiempo venían algunos indios por espías (a Santa María La Antigua), para ver si los cristianos, de quien (es) tanto mal cada día recibían y temían recibir, se iban, o qué acordaban hacer;..., y porque se fuesen, decíanles que en la provincia de Cueba, que distaba 30 leguas, había mucho oro y mucha comida” (Tomo III, Pág. 147).

A partir de esa narración, historiadores y antropólogos se han dividido en dos alas: 1. Los que consideran a los “cuevas” como un grupo distinto que los “dules”, como Kathleen Romoli, Holmer y Reina Torres de Araúz; 2. Los que los consideran el mismo grupo humano, entre ellos toda la documentación anglo-escocesa de los siglos XVII y XVIII, cuando intentaron establecer colonias en esa zona (Wafer, Blackwell, Capitán Rock) y recientemente James Howe, Stout y Sauer. La principal crítica que formula Turpana a historiadores y antropólogos que han estudiado el asunto es que no hablan “dulegaya” (la lengua de los dules o gunas). A Turpana sólo le consta que hablaran su lengua 5 de esos estudiosos: Kayla María Price, Lindsay Newbol, James Howe, Joel Sherzen y Mac Chapin.

¿Por qué es importante dominar la lengua? Justamente porque la supuesta existencia de la nación “cueva” puede deberse a un malentendido de los españoles que no captaron el sentido exacto de lo que se les decía. Turpana señala que en dulegaya existe el vocablo “hueva” o “wueba”, que suena como “cueva”, cuyo significado es “POR ALLÁ”.

La intención era que los saqueadores se largaran “por allá” (bien lejos), y éstos creyeron que les hablaban de un país. La palabra kuna o guna también es otro equívoco, pues ella significa llanura o tierra. Esta nación se identifica así misma (que es lo importante) como dule, que significa gente o persona. Por eso su territorio se denomina dulenega. Turpana lista a los caciques que gobernaban la región a inicios del siglo XVI, todos dules: Nele Igwab, Ologana, Ogeler, Gwani, Niwe, Nalugiypi, Dinagbie, Galiler, Olowiwidur, Ganbipiler, Igwasaliber. Turpana afirma tajantemente: “Todos los nombres de la región pertenecen a la toponimia de la lengua dule”, refiriéndose a la zona que va desde el Darién, el Atrato, el Golfo de Urabá, al este, y aproximadamente Chepo al oeste.

El cacique “Careta” (según los españoles), uno de los primeros atacados por Balboa en la zona que hpoy pertenece a Kuna Yala, en dule se llamaba “Dadagalen”, y la comunidad que hoy se denomina Carreto es Galed. El río Darién (a veces se habla de los “darienes” como otro grupo) en dule se denomina “Danela Diwar”. Quien señaló a Balboa la existencia de otro mar y dio aquel discurso contra la codicia por el oro de los españoles (según de las Casas) es Panquiaco cuya pronunciación en dulegaya es Bab Giakwa. El poblado de Acla, supuestamente fundado por Balboa, se pronuncia Agla que significa “casa de pisos altos”. Chepo sería “Sibbu”. Así enlista Turpana hasta 20 nombres con pronunciación y sentido en dulegaya que corresponden con personas y lugares nombrados por los cronistas de la conquista.

¿Cuevas o dules o kunas, se trataba de un mismo pueblo o de naciones distintas? A nuestro juicio Aristeides Turpana aporta una valiosa evidencia en el primer sentido. Corresponde a la antropología y la historia panameñas que, con métodos científicos, ayuden a corroborar definitivamente una de las dos versiones, o una tercera si fuera el caso. Quedan muchas interrogantes por despejar, por ejemplo, Fernández de Oviedo, uno de los pocos cronistas que estuvo en el Istmo, narra que Balboa encontró poblado no sólo el Darién, sino las islas del archipiélago de Las Perlas y gran parte de la costa hacia el occidente hasta lo que hoy es la ciudad de Panamá. ¿Mismo grupo humano o diferentes culturas?

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Reconocernos como afro descendiente representaría negar a esos negros y negras que nos dieron patria

Antonio José Guevara y Brunilde I. Palacios (Desde Caracas, Venezuela. Especial para ARGENPRESS CULTURAL)

«La gente que trafica con sus propios hijos es más condenable que los compradores. Este tráfico de esclavos demuestra nuestra superioridad (es decir, la europea)»

François Marie Arouet Voltaire. Dictionnaire Philosophique

No hemos comprendido todavía la importancia y la relevancia que tienen habernos librados de las culturas africana y de los imperio europeos, que se cobijan hoy en día en la Unión Europea, Unión Africana y la liga Árabe, lo cual, es tan, pero tan importante, que tal diferencia conllevó a que se creara una cultura nueva (la cultura negra) y que los negros se convirtieran en sujetos creadores de cultura.



Por ello consideramos que en Venezuela, no nos podemos quedar en ese tipo de discurso, en el que no se ha comprendidos que los únicos que han tenido el cache de lazar dos bombas atómicas en contra de la humanidad y acabar con las culturas más viejas del mundo (Irak, Libia, Palestina y otras) fueron los blancos norteamericanos y europeos caucásicos que se dieron el lujo de traernos su miseria a través de las diferentes emigraciones, en el que estaba internalizado controlar nuestras economías a través de la imposición de su cultura, la cual se ha venido haciendo efectiva a través de sus descendientes, porque esas emigraciones no vinieron a ayudarnos a salir de nuestra pobreza, sino más bien a profundizarla; lo que quiere decir que tal termino (el blanco caucásico), representa todo acto que legitima lo malo, lo impío, lo oscuro y lo deshumanizados, y no como se nos enseña en nuestro textos, que es la transparencia, lo bueno, lo claro, etc., muy diferente al término negro, que en un primer momento, nos hicieron ver que esa connotación legitimaba dicho termino y para ello tomaron como fuente los contenidos que se encuentran escritos en la Biblia, con el propósito de créanos una vergüenza étnica por el color, lo cual nos creó…, una especie de complejo para que creyéramos que la raza blanca caucásica era superior a la nuestra y por otro lado, hacernos creer que la misión del negro en el mundo, era la de servirle al blanco y estar por debajo de éste, como que si fuéramos su propiedad. Esta misma diferencia, la podemos encontrar con el caso de lo africano, lo cuales nos le importó cazar depositar y vender a su propia gente a los barcos negreros europeos, los cuales siguen adorando a las culturas que vinieron a someterlos y empobrecerlos y echaron a un lado, lo que representó África para el mundo y no les importó que fueran colonizados por culturas diferentes que impusieron sus diferentes modos de vivir, sus diferentes idiomas, como formas de controlar e imputar las relaciones entre los que transgredieran sus formas de conductas y sus religiones ( porque vieron la de los africanos como formas elementales de la vida religiosas que no tenían ningún tipo de importancia), olvidándose que los termino por ser humanos, en estos tiempos, son acompañados por una carga histórica que siempre se hace presente, que hace ver lo que verdaderamente son y no, como nos lo han enseñados etimológicamente, porque fueron los europeos los que nos impusieron tales conceptos, olvidándose lo que verdaderamente lo que han representado a partir de que el tiempo se va haciendo transparente y más visible.

Por ello, a través que ha pasado el tiempo y el término negro ha asumido su carga histórica, podemos notar que se te ha convertido en un icono y en ejemplo para la humanidad, puesto que se caracteriza porque se a convertido en una cultura diferente, proactiva, humanizada, milenaria, ancestral que no nunca ha mantenido en zozobra a los pueblos del mundo, por el contrario, le ha hecho un aporte importante a la humanidad. Puesto que es una expresión humana que se ha convertido en una cultura de símbolos que le ha hecho un aporte muy importante a la humanidad. Por ellos nunca quisieron a nuestra herencia negra porque era una cultura diferente a la caucásica y africana, porque ella representa otra cosa, y por ello los estereotiparon como negros para diferenciarlos de los africanos y así poder tener un argumento, para poder cazarlos, depositarlos y venderlos a los barcos negreros europeos. Por ello, creemos que es necesario elevar el estima de nuestras poblaciones negras y para ello, no seguir avergonzándolos y haciéndoles creer, que somos descendientes de africanos, porque el reconocernos como afro descendientes, implica que somos propiedad de un blanco europeo caucásico o de un blanco criollo, que nos puede reclamar como su propiedad y por otro lado, soportar la carga etno-céntrica histórica sobre nuestras espaldas…, más cuando no les importó lo que sufrió el vientre la mujer negra, el cual convirtieron en un medio de producción, donde el producto era separado de su madre y después vendido o intercambiado a otro dueño de hacienda, porque se lo convertían inmediatamente en una propiedad a ser usufructuada tanto por el dueño de la hacienda, como por los reyezuelos africanos ( Acordémonos de lo representó el harén africano, en donde un reyezuelo se daba el lujo de tener aproximadamente más de cien mujeres viviendo y conviviendo en el mismo sitio).

Hemos estado leyendo diferentes escrito que nos mandan y nos quedamos asombrados y anonádanos por la inconciencia histórica que reflejan en sus diferentes contenidos, lo cual ha creado una madeja que no les ha permitido revisar bien, como fue ese proceso de desarraigo que se dio en África y lo más triste, es como se busca disfrazar sus diferentes dinámicas o segmentos histórico que dio después la creación de la esclavitud en los países reconocidos por Europa como su periferia o Capitanía General, como que si no le importara que a partir del proceso etnocéntrico y afro europeo que se instauró a través del Sistema de la Trata Negrera, se fortaleció el tránsito hacia el capitalismo liberal, donde no tiene explicación ninguna que autores como Marx, quien vivió su origen y su inicio, se haya olvidado que con sangre negra (no africana) se originó tal sistema económico que después represento la encarnación del azufre para la humanidad (por tales motivos, no se puede tapar con un dedo nuestra la realidad, para no reconocer que sin la participación de los africanos en el negocio negrero no se fuera dado tal sistema impío). Por ello..., de África salieron negros, no africanos, porque estos se quedaron en África usufructuando lo obtenido de la venta de sus propias hermanas, mujeres, hijos, etc., a los barcos negreros europeos de donde se dice que salieron aproximadamente más de 120 millones de seres humanos de su suelo natural, en calidad de desarraigados y en el que tenemos que comprender que los países europeos que se dieron en esa aventura (Holanda, Francia, Inglaterra, Portugal, España y otros) se caracterizaban por poseer el estima blanco, los cuales, no contaba con una tecnología marítima apropiada para esos menesteres, en vista que era muy híbrida muy incipiente y ellos podía darse el lujo de arriesgar a su tripulación o a perder a un hombre a que se contagiara por cualquiera enfermedad tropical; ya que estaba juego su credibilidad, ante los imperios de la época y en eso fueron muy cuidadosos los que llevaban adelante tales expediciones, lo quiere decir que el negocio de la caza y venta de sus propia gente estaba generalizado, siendo común entre sus diferentes culturas, ante que llegaron los árabes y lo internacionalizan…, pero por otro lado, no se quiere reconocer que esos seres inteligentes cazados y vendidos por los propios africanos y comprados por los barcos negreros europeos, fueron abandonados en tierras desconocidas y tuvieron la suficientes capacidad, para soportal una crueldad tan impía que en la historia de la humanidad nadie la había sufrido de la manera como la sufrieron esos seres humanos catalogados como negros, lo cual demuestra que eran muy inteligentes, puesto que tuvieron la suficiente capacidad para sobreponerse y soportal tales actos de crueldad, lo cual los llevó a convertirse en sujeto creadores de cultura. Por ello creemos, que tal ay que resaltar tal coraje, porque en el mundo no se había dado la representación de tal gesto que encarnó la importancia que tienen preservar la vida, lo cual tenemos que defender, estimular y exaltar, porque los estereotipados como negros le dieron un gran ejemplo al mundo y por ello, no tiene sentido, reconocernos como afro descendientes, porque no somos africanos y la herencia que nos dejaron es muy fea, porque este término .., no nos reivindica, más bien acrecentar nuestra vergüenza étnica, porque no le podemos darle un premio a quienes nunca les importó la vida de su propia gente, en el que no podemos olvidar que África se olvidó de nuestra herencia histórica y que con su actitud ayudaron a fortalecer el Capitalismo Liberal en el mundo y por ello invisibilizaron en la historia del mundo tal realidad y principalmente la de nuestros epónimos negros para nunca darle la relevancia y la importancia que tenían.

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Una escuela muy extraña

Antonio Prada Fortoul (Desde Cartagena de Indias, Colombia. Especial para ARGENPRESS
CULTURAL)

Santa Ana es un poblado ubicado en un antiguo asentamiento de nativos Caribe y de cimarrones africanos de la isla de Barú, muy cerca a Cartagena de Indias. En ese bello lugar se radicaron muchos haitianos que acompañaron a Simón Bolívar en sus luchas libertarias. Sus habitantes se dedican a la pesca artesanal, a cultivos de pan coger y sembrar cocos en extensos plantíos para surtir los mercados costeros del Caribe.

En el caserío no había escuela. Los jóvenes caminaban largos trayectos hasta Barú, donde estaba el colegio de enseñanza primaria.

Los pobladores enviaban a las niñas donde Modesta Macott, una matrona isleña de ancestros haitianos, que adiestraba a las jóvenes en asuntos domésticos y les enseñaba a leer y escribir “sin tanto perendengue” como ella misma decía.

Ofelia Barrios era viuda, su esposo había fallecido tres años atrás.

Esta hermosa joven tenía la antropometría de la mujer Bantú, largas y torneadas piernas, cabello pasurín tipo bosquimano, nalgas redondas y altas, cintura estrecha y rostro hermoso de belleza serena y reposada como gacela en celo.

Su esposo Carlos Alberto, pereció en los bajos cuando recogía una nasa del fondo del arrecife, allí fue atacado por un escualo que lo devoró completamente.

Solo encontraron en el lugar su brazo destrozado el cual no se atrevieron a sacar del agua y decidieron dejarlo en ese rocoso fondo para que descansara en paz.

Desde ese día los pescadores de la isla después de su faena diaria, dejaban en la puerta de la viuda, suficientes peces para esa familia desamparada.

Carlitos el mayor, estudiaba primaria en el colegio de Barú y regresaba de clases muy entrada la tarde. Astrid su hija menor de once años, permanecía en la casa ayudando en los quehaceres domésticos.

Ofelia decidió enviar a su hija donde Modesta para que la enseñara a leer y las cosas que debía aprender a su edad. Después de arreglarla, se dirigió a casa de la matrona que vivía retirada del pueblo y muy cerca de la espesura.

Al llegar donde moraba la anciana, esta le brindó café y se sentaron a hablar mientras la niña jugaba con las amigas que recibían formación en ese sitio.

A partir de ese día Astrid partía puntualmente a recibir instrucción y siempre regresaba a su casa muy entrada la tarde con sus amigas del poblado y que como ella, “aprendían las cosas de la vida” y las primeras letras donde la anciana.

Ofelia observó positivos cambios en el temperamento de su hija, estaba alegre y era ostensible su felicidad.

El primer año donde la sabia anciana, transcurrió en medio de juegos y cantos. La capacidad de aprendizaje demostrada en la primera etapa de su adiestramiento la tenía asombrada. Solo le preocupaba la extraña costumbre de su hija que se sentaba hasta muy entrada la noche bajo un árbol de tamarindo, a sostener conversaciones con seres llamados Eggunque solo ella veía y con los que se reía a carcajadas.

También la inquietaba que en noches plenilúnicas, se internaba con varias amigas en la espesura. Cuando trataba de evitarlo, una fuerza sobrenatural y ciclónica la sujetaba a la cama; todo esfuerzo que hiciera para levantarse era vano, un profundo sopor la invadía quedando totalmente dormida.

El comportamiento de su hija y algunos cambios en ella intrigaron a Ofelia.

Cuando Astrid estaba en el patio se le posaban las aves en el brazo, bajaba cocos sin subir los arqueados y ásperos troncos, cuando regresaba del mar, traía una sarta de peces vivos aleteando agonizantes en busca de aguas salvadoras. Llevaba a casa nacarados caracoles de los cantiles sin moverse de la orilla, nadaba al lado de tiburones que respetaban sus retozos en el mar sin atacarla.

Una oscura noche de Abril salió su hija en dirección a la playa con varias amigas. Ofelia no pudo levantarse de la cama a pesar del esfuerzo que realizó y como siempre fue vencida por el sueño; a pesar de eso pudo levantarse antes que sus hijos se fueran a clases; sorprendida miró la repisa colmada de ovaladas latas de sardinas, carne de reno y amarillado queso cubierto con parafina roja; sobre la mesa reposaban dos frascos de mermelada y un pote de mantequilla elaborada con la leche cremosa de las vacas escandinavas.

Al preguntar quien había traído esas latas y conservas que estaban en la mesa, contestó Astrid: “Lo traje anoche desde Dinamarca con mis amigas”.

Como Ofelia no sabía de qué se trataba, guardó silencio y decidió ir a casa de Modesta para que precisara algunas cosas en cuanto al comportamiento de Astrid.

Al finalizar sus oficios domésticos, se dirigió a la casa de la anciana para averiguar que sucedía.

Al llegar donde la risueña matrona, esta la invitó a sentarse en un taburete con fondo y espaldar de cuero al lado de la puerta. Después de una animada charla en la que trataron diferentes cosas del pueblo, manifestó estar preocupada por su hija y los cambios experimentados durante ese tiempo, le dijo además que quería saber que le enseñaban, que en tan poco tiempo había cambiado tanto.

La anciana después de escucharla pacientemente, dijo que con ella aprendían a leer, escribir y las operaciones matemáticas básicas. Les enseñaba a cocinar la dieta isleña, pescados, mariscos y secretos conyugales del arte de los encantos que iban a ser de mucha utilidad y hacerlas felices cuando “se salieran”.

Además les enseñaban a manejar un hogar y edificar su familia.

Todas estas cosas aprenden aquí las niñas dijo la sabia anciana a Ofelia sobre las actividades de su hija. Te comunico, que Astrid ha adelantado mucho.

Su dedicación ha sido ejemplar, ha demostrado una gran inteligencia y este año quedará capacitada para afrontar las exigencias de la vida”.

Vamos hasta ese claro donde están ellas para que veas por ti misma, el adelanto que ha tenido en estos tres años de aprendizaje.

Entusiasmada por lo que decía la anciana, la acompañó al sitio indicado donde retozaban siete niñas incluyendo la suya.

Astrid al verla la abrazó tiernamente estrechando su rostro sobre el pecho oloroso a humo y leña silvestre de su madre.

La anciana llamó a las niñas y estas ante un gesto de la anciana, hicieron un círculo en el medio del cual quedó Astrid.

Cuando estuvo en medio de esa rueda humana, la añosa mujer dijo a la muchacha que mostrara a su madre lo aprendido durante el tiempo en esa casa.

La niña asumiendo una actitud de absoluta contemplación, dijo alegre a Ofelia: “Mami: La señora Modesta me enseñó a convertirme en pato, pronunciando un Mantram de cavernosa entonación y una acompasada gestualidad, se transformó en un pato color amarillo profundo, el cual empezó a girar entusiasmado y juguetón, alrededor de la asombrada progenitora.

Luego se transformó en un negro doberman de ladrido potente y grueso, se convirtió en un inmenso gato siamés de mirada amenazadora, posteriormente en un enorme gavilán pollero desplazándose por los aires, se convirtió luego en una burra de color caoba y por último, haciendo gala de una agilidad inusual, se montó en un frondoso árbol de guácimo y desde una de sus robustas ramas, se lanzó al vacío planeando con mucha soltura por los aires y después de una graciosa cabriola, descendió hasta el sitio donde se encontraba Ofelia y le dijo sonriente: ¡Mami eso es todo!

La madre completamente anonadada, sorprendida y extasiada por lo que estaba aconteciendo con su hija, se limitó a decir resignadamente: ¡Carajo... que vaina!

Al disponerse a regresar, una cabra extremadamente blanca emitiendo un sonoro balido la acompañaba por el pedregoso sendero que de la espesura conducía a su ilé, (casa).

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